Exposition de finissant.e.s

Des souvenirs sont des œuvres que j'essaie encore d'appréhender: j'y explore la notion de la mémoire et la connection avec une personne ou un lieu.

J'ai dessiné des personnages masqués et je les ai placés dans une situation qui s’inspire des photographies de ma famille et moi. Cacher ces identités est un choix intentionnel. Des souvenirs n'aborde pas le point de vue de l'individu, mais plutôt le retraçage de quelque chose de familier.

Ces dessins sont des capteurs d'émotions. Ils sont la cause d'un véritable changement de trajectoire : une séparation visuelle dans le motif exploré, mais surtout émotionnel. Je continue à vouloir comprendre cette poussée abstruse.

Montana Road Wreck examine deux phénomènes qui s'enchevêtrent : les milliers de croix identiques qui jalonnent les routes de l'État du Montana aux États-Unis et son histoire en tant que lieu où la vitesse est illimitée. En réaction à un week-end de la Fête du Travail qui était particulièrement meurtrier durant l'été précédent, le poste de la Légion américaine de Missoula a instauré en 1953 un rituel : marquer d'une croix blanche chaque site au long de la route où il eu un accident mortel. Cet acte simple visait à réduire le taux remarquablement élevé d'accidents de la route dans l'état en rendant la mort omniprésente dans la mémoire culturelle réunissant les vivants, les morts et la terre en une seule entité. Des photographies de bornes de signalisation et des extraits de journaux sont imbriquées et présentent deux récits partiels et croisés reconstituant vaguement l'histoire identitaire du Montana en tant que l'un des derniers grands avant-postes de l'Ouest américain. Un endroit où les défenseurs.euses de la liberté bien-pensant.e.s, libres de toute limitation de vitesse, tiennent à distance la main lourde du gouvernement. Et un endroit où la légende et la réalité deviennent indiscernables.

La vallée des auroresse compose d'une douzaine de photographies et de deux projections dont une sélection est montrée ici. Le projet se présente comme une fresque anthropocosmique mettant en scène notre rapport à l'espace, propre et figuré, à l'immatérialité et à la transformation de la matière par la matière. Dans les photographies, on distingue parfois des éléments familiers (graines de papaye, organes d'animaux domestiques), mais aussi des traces, des mouvements, des présences, des empreintes, du sang et des minéraux. Les sculptures qui apparaissent dans les photographies ont été façonnées avec des préoccupations non destructives autour de l'anxiété écologique dans l'intimité de mon espace de vie.

Dans les ontologies Lakȟóta, les matériaux tels que les métaux, les roches et les minéraux sont capables de volition et de parenté avec les êtres humains. De ce point de vue, Kite crée des nouveaux espaces de rencontre avec l'intelligence artificielle, en élaborant des méthodologies innovantes pour aborder les relations humaines et non-humaines d'une manière éthique. Cette approche appelle à repenser le statut ontologique de chaque élément qui compose et crée l'intelligence artificielle depuis les ressources terrestres exploitées pour la technologie jusqu'aux œuvres d'art qui finissent par les utiliser. En apportant des épistémologies autochtones aux questions de l'IA, le travail de Kite en tant que chercheuse et artiste développe des cadres conceptuels et des protocoles par lesquels nous pouvons concevoir des relations élargies avec la technologie computationnelle non-humaine et l'IA pour leur faire une place dans notre avenir collectif.

In these eyes lie an endless ocean navigue entre la lutte émotionnelle de l'isolement et de l'incertitude partagée par les communautés vietnamiennes diasporiques. Cette série intime de photographies explore la manière dont l'identité culturelle vietnamienne, qui sans être totalement ancrée, continue se fluidifier. Alors que cette communauté s'étend progressivement à travers le monde, nous assistons à l'émergence d'une nouvelle génération de jeunes vietnamiens.nes qui hérite des histoires du passé sans avoir vécu ces tragédies. Cela crée une barrière émotionnelle invisible entre les familles intergénérationnelles et un sentiment d'aliénation identitaire et culturelle. En isolant chaque expérience personnelle dans un récit visuel singulier, le projet crée un espace qui comble le fossé entre les ancêtres et les descendants.es vietnamiens.nes, retrace les histoires non racontées de notre lignée historique enchevêtrée et tente de réimaginer un avenir qui s'affranchit de sa rhétorique postcoloniale.

What Can I Do? est un projet d'installation multimédia qui explore les processus matériels, le dialogue politique et la relation au territoire. L'œuvre s'ancre autour de 300 sculptures en porcelaine émaillée moulées à partir de débris géologiques (c.-à-d. des roches) trouvés dans la zone urbaine de Montréal/Tiohtià:ke/Mooniyang. La taille et l'emplacement de ces objets, leur matérialité et leurs textures variées invitent l'interaction humaine. Ils sont tactiles et demandent à être tenus: lorsque je les montre aux gens, je remarque que c'est une manière douce d'entamer une conversation, d'entrer en relation avec une autre personne par le biais d'une expérience haptique. En tant qu'artisan introverti, je crois que l'acte de fabriquer et de partager avec les autres est essentiel. De cette manière, nous sommes capables de transcender le langage et de découvrir de nouvelles façons d'entrer en relation les uns avec les autres. Les visiteurs.euses sont invité.e.s à s'asseoir sur les bancs, à toucher et à interagir avec les pièces de céramique.