A.Ilegades
24 de julio - 25 de agosto de 2023
Vernissage: 27 de julio de 2023, de 5 pm a 7 pm
Comisariada por María Andreína Escalona De Abreu
Asistida adjunta: Pierina Corzo-Valero
Foto por Miao Li
Texto de exposición
A.llegades
a: prefijo.
- Significa proximidad, contigüidad o bien intensidad. 2) Oposición, carencia o privación de algo.
- Oposición, carencia o privación de algo.
llegado/llegada/llegade: participio pasado del verbo llegar.
allegado/allegada/allegade: adjetivo.
- Dicho de una persona: cercana a otra en parentesco, amistad, trato o confianza.
- Arg., Chile, P. Rico y Ur. Dicho de una persona que vive transitoriamente en casa ajena, por lo común sin ser pariente del dueño.
*El uso de la "e" sustituye las terminaciones de género "o" y "a" en español para un título inclusivo en línea con la revolución lingüística de los países latinoamericanos.
A veces envueltos envueltas envueltes con la misma hoja, a menudo bajo el mismo nombre, a veces errades a veces errando, un día llegades, ahora allegades.
Bajo la premisa "juntes en la diáspora", examino con un grupo de ocho artistas cuestiones de identidad y estética en relación con nuestras respectivas llegadas, ya sea la llegada a la ciudad de acogida, el territorio no cedido de Tiohtià:ke/Montreal, o a la comunidad Latinx local. Como inmigrantes de primera y segunda generación de Chile, Colombia, México y Venezuela, a diferentes ritmos, en diferentes momentos y en diferentes envases, llegamos, somos a.llegades.
No nos conocíamos, pero nuestros viajes migratorios están singularmente entrelazados. No creamos de la misma manera, pero orbitamos preocupaciones y experiencias similares. El proceso migratorio nunca termina, y en este punto intermedio nos encontramos.
Encarnando una fracción de la diáspora Latinx y envueltes por el mismo término, latinx/latino/latinos, las obras de esta exposición revelan un deseo por permanecer conectades, o bien, repensar las conexiones que mantenemos con nuestra cultura de origen y su herencia identitaria. Con el paso del tiempo, hemos observado cómo nuestros lazos culturales cambian en respuesta al contexto multicultural canadiense, dividido entre dos culturas lingüísticas, provocando un vaivén material que se filtra en nuestra vida cotidiana y se manifiesta en el arte que creamos. Con esta intención, A.llegades presenta obras que van de lo textil a lo textual, de lo escultórico a lo narrativo, y de lo performativo a lo participativo, y así, destancando nuestra resiliencia material.
El folleto de exposición, disponible para llevar, es una ofrenda al público y a los artistas. Elaborado con las hojas de plátano recuperadas de nuestro primer encuentro, en el que cocinamos juntes hallacas (un plato tradicional venezolano), a las cuales añadi abacá, hojas de maíz y las etiquetas de la exposición anterior en la FOFA, este regalo sirve de recuerdo físico de la intencionalidad de nuestros encuentros. Acompañades de música, hallacas, arepas, mezcal, yuca y mangos, nuestras cenas en grupo y reuniones individuales nos permitieron conectar y profundizar en nuestra comprensión de las diferentes formas en que el afecto y la resiliencia se traducen en nuestras prácticas y en el día a día.
Al observar a Sarabeth Triviño, uno puede reconocer el yute y la lana como hilo conductor de las historias y travesías de las mujeres migrantes, mientras que, las prendas personales recolectadas y transformadas por Denise A. Olivares crean nuevos caminos hacia futuras amistades. Por su parte, para Emiliano Moreno Quesada, el retrato y la sutileza del diseño proveen asiento para reflexionar sobre la ambigüedad de la identidad; paralelamente, el retrato del cantante colombiano J Balvin en la obra de Juan Pablo Hernández Gutiérrez se inspira de forma crítica en la sobrerrepresentación y el consumismo, aludiendo a la "imagen pobre" de Hito Steyerl. Continuando el diálogo sobre el efecto de la globalización, refugiado en la pared de la galería, el grabado en madera de Armando Rivas denuncia la dura realidad de la mano de obra migrante; frente a ella, la instalación y obra colaborativa de Elsy Zavarce ofrece un esperanzador recuento de historias de inmigración, aludiendo ambas a la resistencia material de nuestras comunidades. Y, por último, el deseo nostálgico de Marguerite Marion-Reyes por encontrar las siluetas de los Andes en el paisaje urbano de Montreal, y el énfasis de Armando Cuspinera en el paisaje y la tierra a través de la cerámica, invitan al público a reflexionar sobre el desplazamiento, el proceso de integración en un nuevo entorno y las conexiones afectivas con la tierra, desde una perspectiva latinxmigrante.
Esta exposición colectiva e intergeneracional comenzó con la pregunta "¿Cómo vives tú tu latinidad en Montreal?". Las diversas respuestas, tanto de los artistas como del público, se encuentran ahora, tal vez dentro de esta galería, o como huellas encriptadas en las hojas de plátano y el papel hecho a mano. Quizás, en estas palabras también, más allá de respuestas, encontremos pistas, o más bien, más preguntas.
Concebí esta exposición con cariño y admiración en el marco de la residencia comisarial ofrecida por la Galería FOFA de la Universidad Concordia. Ahora no puedo más que maravillarme de los lazos y afinidades tejidos a lo largo de este proceso y dar las gracias a Armando, Juan Pablo, Marguerite, Emiliano, Denise, Armando, Sarabeth y Elsy, y a las demás personas que ahora son también allegades: a mi mano derecha y confidente, Pierina Corzo-Valero, y a mi equipo estelar Nicole Burisch, Geneviève Wallen, Jasmine Sihra, Laurence Poirier, Joé Côté-Rancourt, Philip Kitt, por su confianza y apoyo desde el inicio. Gracias a eunice bélidor por crear esta oportunidad.
- María Andreína Escalona De Abreu
Revisión en español: Emiliano Guevara
Programación a venir de A.llegades
- Taller Remiendos: 3 de agosto, 2 pm a 5 pm en el patio exterior
- Conversatorio: 17 de agosto, 5 pm a 6 pm en el patio exterior
- Finissage: 25 de agosto, 5 a 7 pm en la galería y el patio exterior
ARTISTAS PRESENTADOS
Foto de Helen Park
Cortesía del artista
Bio
Armando Cuspinera (1994) es un artista y diseñador mexicano que se centra en la relación entre el ser humano y la naturaleza a través del rediseño escultórico de objetos y su función en la vida cotidiana. Realizó la licenciatura en Bellas Artes en la Universidad De Las Américas Puebla (UDLAP) y posteriormente una maestría en diseño industrial en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Ha participado en exposiciones colaborativas como el XLII Encuentro Nacional de Arte Joven de Aguascalientes (2022) y en la 00 Bienal de La Habana (2018).
La investigación de Cuspinera parte de la relación con la otredad, a veces con otros humanos, otras especies u otros elementos del ecosistema, y toma en consideración cómo un objeto, una circunstancia o una acción se convierten en punto de encuentro. Pensando en la escala, la materialidad y el simbolismo, diseña objetos escultóricos a través de los cuales el ser humano se vincula e implica con otros seres vivos y las ecologías en las que se encuentran. Le interesa cuestionar cómo lo tradicional y lo tecnológico pueden integrarse en nuevas propuestas, desde una perspectiva ecocéntrica.
Descripción de proyecto
Esta serie de esculturas se inspira de los contornos característicos de montañas, volcanes y colinas. La obra explora el concepto de geografía transitoria, que surge del traslado a una tierra extranjera y del proceso de asentamiento en ella. Estas formas escultóricas encarnan un profundo sentido de la monumentalidad, imaginando un paisaje dinámico y siempre cambiante. Cada pieza de la serie evoluciona de forma diferente, adaptándose a su entorno natural y sufriendo un proceso gradual de erosión. Con el tiempo, las esculturas integran perfectamente su entorno, pasando de ser representaciones de paisajes ficticios a componentes orgánicos de los ecosistemas que habitan.
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Cortesía del artista
Bio
Juan Pablo Hernández Gutiérrez es un artista que vive en Tiohtià:ke (Montreal). Está cursando una licenciatura en Pintura y Dibujo en la Universidad Concordia. Recientemente ha participado en exposiciones colectivas como Anatomy of Apocalyptic Care en la Galería FOFA en 2023. En agosto de 2022, Hernández Gutiérrez también participó en una residencia como parte del Programa Lab en la Ciudad de México. En diciembre de 2022, Hernández Gutiérrez impartió un taller intitulado Materialities in Fútbol, Football, Soccer como parte de Montreal Monochrome en Articule.
Descripción de proyecto
No se ve (The business, J balvin) se apropia de una imagen del cantante colombiano J Balvin del Internet, la materializa sobre una superficie de poliéster y la presenta al revés. A través de estos gestos de robo y reutilización, materializo y exploro el potencial vanguardista de la imagen "pobre" (como teorizó la artista Hito Steyerl) a través de una representación comprimida de baja calidad y brillo. La superficie de la obra está hecha de mercancía pirata de fútbol. Las características del tejido, ligero, maleable y de secado rápido, igual como la imagen de J Balvin, resuenan con los imperativos tecno-capitalistas de velocidad, producción en masa y distribución rápida de productos de baja calidad. Imagen y superficie se convierten entonces en familia. Al apropiarme de la artesanía del tifo (grandes exhibiciones visuales coreografiadas que realizan los aficionados en las gradas de los estadios), y al presentar la imagen al revés como una forma de subversión, sitúo la obra como rival de la propia imagen. La pieza propone una contemplación inmersiva que invita al público a analizar críticamente lo absurdo de lo que compone No se ve (The business, J balvin).
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Cortesía del artista
Bio
Marguerite Marion-Reyes es una artista visual y educadora chileno-canadiense que actualmente cursa un máster en Educación de las Artes en la Universidad de Concordia. Su obra está vinculada a su experiencia de desplazamiento continuo de un país a otro y a su búsqueda de hogar y de pertenencia. Marion-Reyes trabaja principalmente con la escultura y la instalación, donde los recuerdos transitorios pretenden mantenerse vivos, evocando lugares nostálgicos e imaginarios. Tras mudarse a Montreal, su práctica transiciono al videoarte, donde la superposición de capas y el dibujo han abierto nuevas posibilidades para explorar la nostalgia, el duelo del paisaje y la creación de espacios liminales.
Descripción de proyecto
Hace casi dos años que me mudé de Chile a Canadá. Una cosa que me preguntan constantemente es qué extraño de Chile, y no puedo evitar responder que es la Cordillera de los Andes. Lo que hace especial el paisaje en Chile es que la montaña te sigue constantemente. Estés donde estés, a un lado está la montaña siempre cambiante, pero presente. Esta experiencia se vive de forma diferente en Montreal, y eso es lo que me llevó a crear Buscando la Montaña, un vídeo experimental que utiliza la técnica de la rotoscopia.
Para crear este vídeo, pregunté a 11 personas que viven actualmente en Chile: ¿Cómo imaginas tu vida cotidiana sin la Cordillera de los Andes? A partir de estas respuestas, desarrollé una historia compuesta. Mientras tanto, en Montreal, grabé un paseo en el que capturé imágenes de los elementos más altos de la ciudad. Buscando un fundamento y una conexión con la ciudad, buscando mi propia brújula; mirando hacia arriba, como si los edificios fueran picos de montaña. Al conectar la historia de los chilenos con el vídeo a pie, trazo una línea; una línea que se une, se transforma y muta a medida que avanzo; una línea que escucha y ve a su alrededor; una línea que se convierte en montaña. Del dibujo surge un lugar imaginario, un lugar intermedio. De esta línea y esta mezcla entre dos lugares surge Aquí y Allá, una instalación colaborativa que invita a la gente a dibujar y escribir, reflexionando sobre la pregunta: Estando aquí, ¿qué extrañas de allá?
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Cortesía del artista
Bio
Emiliano Moreno Quesada es un artista basado en Tiohtià:ke - Mooniyang (Montreal) que trabaja con fotografía, escultura e instalación. Sus obras utilizan frequentemente el humor y la apropiación para crear una compleja red de ideas y asociaciones. Inspirándose en los memes y la cultura de Internet, Moreno Quesada trata de explorar sus funciones en la historia del arte y la vida contemporánea dándoles forma física. Como inmigrante mexicano criado en Canadá, su trabajo se centra en las nociones identitarias y de lugar, en particular en cómo ocupa un espacio intermedio, una zona de transición. Le interesa explorar cómo este estado puede traducirse y vincularse a sus métodos de trabajo anteriores, a medida que investiga su identidad como una colección de imágenes y objetos contradictorios.
Descripción de proyecto
Mira a un padre y a su hijo y les pregunta audazmente: "¿Qué son?".
Banco-02 forma parte de un proyecto en curso que explora la ambigüedad de la identidad.
Este proyecto pretende iniciar una conversación en torno a la dualidad de los objetos y las obras de arte y cómo pueden funcionar en un espacio como una galería. En concreto, se trata de cuestionar los códigos de estos objetos y de la arquitectura para reflejar la inestabilidad de la clasificación de las obras de arte y la percepción del público.
A través del anonimato, la obra puede expresar sin ser explícita, y materializar la inquietud que puede suponer existir en algún punto intermedio.
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Cortesía del artista
Bio
Denise A. Olivares es una educadora de arte y artista interdisciplinar nacida en Chile que trabaja y reside en Tiohtià:ke/Montreal. Inspirándose en la historia y la cultura de su familia, sus obras textiles e instalaciones se centran en temas de memoria, de identidad y del archivo. A través de la fotografía, sus "avistamientos urbanos" se basan a menudo en un enfoque minimalista, que se sitúa a medio camino entre el documental fotográfico y la fotografía en serie. En la última década, ha desarrollado un corpus de obras que explora su identidad, su cuerpo y su movimiento a través de performances fotográficas y de vídeo.
Descripción de proyecto
Los estampados, los colores, las texturas y los olores de nuestra ropa y de los tejidos que nos rodean en nuestro día a día, revelan huellas de nuestras experiencias vividas. Tengamos o no un vínculo cercano con estos materiales textiles, hay una historia que contar. Mi práctica en fibras se basa en estas historias de vida para reanimar el pasado y resituar los recuerdos en el presente. De este modo, los recuerdos del pasado pasan a formar parte de una experiencia compartida en el presente.
Empezando con sábanas encontradas y prendas personales acumuladas, pedí una prenda de ropa a cada persona que participaba en A.llegades. Cada una fue deconstruida y ensamblada en una pieza tejida e incorpora contribuciones de texto conectadas a los recuerdos de nuestras historias únicas mientras se traza una narrativa combinada con fotografías personales.
Durante la realización de esta pieza, cada fase implicaba un movimiento repetitivo que requería resistencia para completarse. A través de sus formas circulares, esta obra de arte señala nociones de unidad y movimiento continuo que integran un enfoque de medios mixtos que incluye técnicas de ganchillo, transferencia de imágenes y bordado.
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Cortesía del artista
Bio
Armando Rivas es un artista venezolano en el proceso de migrar hacia Canadá. Estudiante fallido de arquitectura convertido en carpintero renegado y organizador comunitario. Su trabajo actual se centra en las intersecciones y relaciones que se forman entre la economía de las condiciones laborales y el desarrollo tecnológico, con la historia arquitectónica como marco de referencia.
Descripción de proyecto
Dentro del Almacén es un tallado en madera inspirado en la escultura medieval europea y en las tradiciones de los muralistas mexicanos. La tablilla está hecha de tarimas rotas que recogí de los almacenes donde trabajaba. Las pegué para crear una masa sólida en la que grabé la imagen con una fresadora CNC. El resultado es un montaje de imágenes de mis experiencias cercanas a la muerte trabajando en condiciones precarias. Como un collage de recuerdos, la imagen incluye detalles derivados de historias que he oído a otros trabajadores migrantes alrededor del país.
He estado pensando mucho en cómo los almacenes son una parte esencial de la ciudad canadiense postindustrializada. El almacén es como el arenero de una empresa, con amplios espacios que pueden reconfigurarse según las necesidades. Por un lado, trabajar en un almacén me facilitó el acceso a materias primas, herramientas, espacio para almacenar mis obras de arte y experiencias de aprendizaje que me ayudaron a completar este proyecto. Dicho esto, los almacenes también son lugares difíciles para trabajar y la mayoría carecen de un nivel básico de confort, como aislamiento al frio o incluso baños. Sus paredes metálicas desnudas y sus bóvedas resonantes nos dan la impresión de estar muy aislados. Los trabajadores de los almacenes suelen utilizar herramientas peligrosas y están expuestos a muchas sustancias tóxicas. Aunque los almacenes pueden actuar como lugares de creación, su entorno laboral entraña riesgos considerables para la salud de los trabajadores.
Mis observaciones se convirtieron en una meditación sobre los costes del mundo industrial, pero también del mundo del arte. El almacén es un elemento esencial que pone de manifiesto la disponibilidad y abundancia de productos inherentes al estilo de vida contemporáneo. Además, estos lugares revelan la forma en que nuestro estilo de vida se basa en la contaminación y la explotación de los grupos marginados que trabajan en estos entornos peligrosos.
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Cortesía del artista
Bio
Sarabeth Triviño es una artista textil de origen chileno que vive y trabaja en Tiohtià:ke/Montréal. En 2008 se convirtió en artesana profesional miembro del Conseil des métiers d'arts du Québec. En 2017, obtuvo su licenciatura en artes visuales y medios de comunicación de la UQÀM y actualmente cursa su maestría en Fibras y Prácticas Materiales en Concordia. Su trabajo se desarrolla a través de una práctica híbrida en artes visuales con referencias a las artes y la artesanía. Sus proyectos incorporan técnicas como el ganchillo, el macramé, el punto y el bordado. Su práctica textil política se inspira en cuestiones medioambientales y sociales tejidas con matices feministas.
Descripción de proyecto
Sus pies andantes revelan un destino. Sus caminos las conducen a través del espacio y el tiempo, apropiándose gradualmente de estos territorios como símbolo de resistencia. Sus huellas trascienden el tiempo como rastro de sus identidades, de una época pasada y de la promesa de un futuro mejor. Como en un acto arqueológico, excavo capa por capa hasta encontrar las historias de las mujeres. Estas historias resuenan y nos interpelan con el deseo de hacer una reivindicación política y la necesidad de desafiar la injusticia. Sus huellas son testimonios vivos; han invadido las calles, han cruzado fronteras, han hecho oír su voz. Grandes y pequeños, sus pies cubiertos de tierra, caminan en busca de nuevos caminos. Todas tienen un nombre, una familia, un origen, antepasados; mujeres defensoras de bosques y ríos, guardianas de semillas, buscadoras de huesos; mujeres que caminan trazando senderos, reconfigurando nuevos territorios y desafiando fronteras para construir nuevos futuros. No caminan solas, caminan acompañadas, movilizadas y organizadas. Sus huellas forman parte del legado histórico que dejaron sus cuerpos, y sus pasos continúan en la búsqueda de la verdad y la justicia.
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El bordado sobre yute recuerda las arpilleras chilenas tradiciónales, cuando las mujeres se organizaban colectivamente para denunciar y contar sus historias a través de piezas bordadas en un contexto sociopolítico violento durante la dictadura militar chilena.
Cortesía del artista
Bio
Elsy Zavarce es una artista visual multidisciplinaria cuya obra ha sido expuesta en Venezuela, Canadá y Estados Unidos y figura en colecciones privadas y públicas, entre ellas el Museo de las Américas. Ha participado en numerosas exposiciones y realizado proyectos individuales, lo que le ha valido reconocimientos y premios en el campo de las artes, como una Mención Especial en el Salón de Arte de Aragua (2012) y el Primer Premio en obra tridimensional en el Salón de Arte del Caribe (2000). Entre sus logros destacan sus trabajos artístico-curatoriales, como Ene Incident (1999-2014), Cuerpo en Cuestión (MACZUL 2018) y Confined Bodies (Maczul 2020). Actualmente cursa un doctorado en el Departamento de Educación de las Artes de la Universidad Concordia. Zavarce se centra en explorar el papel de los artistas, educadores y comisarios en el fomento de comunidades de prácticas socialmente comprometidas y en la cocreación de espacios urbanos que inspiren la imaginación y cultiven un sentido de pertenencia, resiliencia y resistencia. Además, coordina ESCOLARTE, un Programa Educativo en el MACZUL (Museo de Arte Contemporáneo del Zulia).
Descripción de proyecto
Reparative Mapping analiza los conceptos de fronteras, territorios, desplazamientos y representaciones. La instalación incluye fragmentos reparados de mi obra de 2014, Arqueología Lúdica II: 100 días, que rendía homenaje a los estudiantes que huyeron de Venezuela a principios de 2014 debido a la precaria situación sociopolítica. Por aquel entonces, no tenía ninguna duda de que yo mismo pasaría a formar parte de la diáspora venezolana.
Las piezas en forma de patito fueron recortadas de una colcha familiar azul y bordadas y reparadas a lo largo de los bordes. En Reparative Mapping, estas piezas fueron remendadas colectivamente por el grupo de artistas participantes en A.llegades. Se exponen en la pared junto con un mapa invertido de las Américas, alineado con el país de origen de cada artista. Este mapa ilustrado es una alusión directa a América invertida (1943) del artista uruguayo Torres García. Un vídeo lúdico con un mapa animado nos anima a cuestionar y participar en una representación dialógica de la relación entre los movimientos migratorios y las fronteras.
Para mí, el acto de reparar y renovar la instalación de 2014 con la comunidad ha sido un proceso de sanar conexiones y cultivar relaciones significativas. Inicialmente sirvió como mecanismo de afrontamiento del duelo migratorio, pero ahora mi exploración ha evolucionado para considerar nuevas formas de visualizar los territorios, los desplazamientos y las fronteras.
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Acerca del equipo curatorial
María Andreína Escalona De Abreu es una artista visual, escritora y curadora independiente venezolana radicada en Tiohtiá:ke/Montréal. Obtuvo una licenciatura en Fibras y Prácticas Materiales de la Universidad Concordia en 2022 y desde septiembre desarrolla su práctica como curadora residente en la galería FOFA. Su práctica artística tiene como objetivo entrelazar la imagen, lo lingüístico, el textil y la impresión con el fin de conectar con los miembros de su comunidad y ofrecer nuevas perspectivas a un público más amplio. La obra de Escalona es una carta de amor a sus raíces venezolanas y a su presente canadiense.
Visita la página de instagram de María
Pierina Corzo-Valero (ella/elle) es una artista interdisciplinaria y escritora, que actualmente cursa un BFA en Fibras y Prácticas Materiales en la Universidad de Concordia. Trabaja en la Galería FOFA como asistente de comunicaciones y galerista desde 2022. Corzo-Valero escribió un artículo sobre la Fenomenología Queer y el Arte Brasileño que fue seleccionado por CUJAH para su publicación en 2023. Sus obras de instalación se han presentado en exposiciones colectivas en el CTRL Lab, la Galería VAV y la Galería onze. Últimamente, se ha centrado en su práctica del tejido, explorando las intersecciones entre texto y textil, tejido y escritura.
